Im lichten Chor der Nürnberger Lorenzkirche stirbt ein hölzerner Christus langsam, hoch über den Gläubigen schwebend. Kein Schrei, keine Verrenkung: nur die Wahrheit eines der Schwere überlassenen Körpers. Es ist einer der Höhepunkte deutscher Bildschnitzkunst, von Veit Stoß an der Schwelle zur Reformation geschaffen.
Was man sehen sollte
Zuerst der Körper: hager, sehnig, von Sehnen und Adern durchzogen, die Rippen unter der Haut. Veit Stoß sucht nicht die ideale Schönheit, sondern die anatomische Wahrheit eines Gemarterten. Das Haupt ist auf die rechte Schulter gesunken; die Augen sind geschlossen, der Mund halb geöffnet; das vom Tod gelöste Gesicht hat jede Verkrampfung verloren. Dann hebt sich der Blick zum Lendentuch, dem Bravourstück des Bildhauers: die Falten werfen sich auf, vertiefen sich und fliegen wie von einem Hauch bewegt, in jener Freiheit, die Stoß' Zeichen ist. Die durchbohrten Hände und Füße, die geöffnete Seite vollenden die Passionserzählung. Das Werk, knapp unterlebensgroß, ist für die Untersicht gedacht: der Blick von unten im Chor steigert seine Präsenz und sein geistliches Gewicht.
Geschichte
Veit Stoß, um 1447 geboren, hatte fast zwanzig Jahre in Krakau verbracht, wo er den riesigen Hochaltar der Marienkirche schuf. 1496 nach Nürnberg zurückgekehrt, nahm er Werkstatt und Wettstreit mit Adam Kraft und dem Gießer Peter Vischer wieder auf. Sein Leben wurde von einem Skandal überschattet — wegen einer gefälschten Urkunde in einer Schuldsache verurteilt und gebrandmarkt —, doch sein Genie hielt ihn an der Spitze. Dieser Altarkruzifixus von St. Lorenz gehört in seine letzte große Zeit um 1516-1520, in der er für dieselbe Kirche auch den im Chor hängenden Englischen Gruß schuf. Nürnberg, mächtige Freie Reichsstadt und Hort des Humanismus um Dürer, war damals die unbestrittene Hauptstadt der deutschen Bildhauerei. Als die Stadt 1525 die lutherische Reformation annahm, zerstörte sie diese großen Andachtswerke nicht, sondern bewahrte sie als Erbe — darum steht das Kruzifix noch an seinem Ort.
Symbole und Geheimnisse
Das Kruzifix ist nicht bloßes Schreckbild, sondern Kunde von der Erlösung. Der bereits tote Leib, die Seitenwunde, aus der Blut und Wasser flossen, bieten dem Gläubigen den Gegenstand seiner Heilsbetrachtung. Stoß schnitzt alle seine Kruzifixe knapp unterlebensgroß, um die zwei Meter; dieser leichte Maßstabsrückgang schwächt die Figur nicht, sondern verstärkt sie in der Untersicht. Das Barock, dem dieser dramatische Schauer behagte, bewunderte diese sehnigen Christusfiguren besonders, in denen sich der Schmerz ohne Emphase liest.
Warum dieses Werk zählt
Weil es in reiner Form zeigt, was die deutsche Holzbildnerei um 1500 erreichte: eine körperliche Wahrheit und eine verhaltene Ergriffenheit, die wenige europäische Schulen erreichten. Es gehört zu einem außergewöhnlichen Ensemble — St. Lorenz vereint im selben Raum das Sakramentshaus Adam Krafts, den Englischen Gruß und dieses Kruzifix von Stoß — das die Kirche zu einem der größten In-situ-Museen des deutschen Spätmittelalters macht. Sein Überleben durch die Reformation hindurch macht es überdies zum Zeugen der besonnenen, bewahrenden Nürnberger Art, von einer religiösen Welt in die andere überzugehen.
Die Bedeutung dieses Kruzifixes erschließt sich besser im Blick auf das Gesamtwerk von Stoß. In der Tradition der süddeutschen Bildhauerei geschult, hatte der Meister seine Kunst nach Krakau getragen, wo ihn sein großer Hochaltar der Marienkirche, ein riesiges gemaltes und vergoldetes Polyptychon, in ganz Mitteleuropa berühmt gemacht hatte. Nach Nürnberg zurückgekehrt, übersetzte er diese Erfahrung in eine Reihe von Kruzifixen, deren jedes eine Nuance von Tod und Leiden erkundet. Jenes von St. Lorenz gilt durch seine Strenge und anatomische Richtigkeit als eines der vollendetsten. Moderne Restaurierungen haben durch die Untersuchung des Holzes und der seltenen Spuren alter Fassung die Feinheit der Oberflächenarbeit und die Folgerichtigkeit dieser Kunst mit der übrigen Nürnberger Produktion des Meisters bestätigt, vom großen Kruzifix von St. Sebald bis zu den Figuren des Germanischen Nationalmuseums.