Vor absolut schwarzem Grund zeigt sich ein achtundzwanzigjähriger Mann frontal, das Haar in symmetrischen Locken, die Hand an einen Pelzkragen geführt. 1500 malt Albrecht Dürer in Nürnberg eines der kühnsten Bildnisse der gesamten Renaissance: kein Gesicht unter vielen, sondern eine Aussage darüber, was ein Künstler ist.
Was man sehen sollte
Der erste Schock ist die Frontalität. Das Renaissance-Bildnis wird im Dreiviertelprofil gegeben; hier bietet sich das Gesicht gerade, zentriert, unverrückbar dar. Die senkrechte Achse ist von mathematischer Strenge: Scheitel, Nasenrücken, Lippenspalt und Mantelschließe fluchten. Der zweite Schock ist die Materie. Der Pelzkragen ist Haar für Haar wiedergegeben, jede Haarsträhne fängt ein anderes Licht, und die Hand — lang, nervös, mit goldschmiedhafter Präzision gemalt — legt sich darauf, als prüfe sie die Weichheit. Der tiefschwarze Grund bietet keinen Ausweg: alle Aufmerksamkeit wird zum Kopf gezogen, der wie eine Erscheinung freigestellt ist. Rechts zwei Inschriften: das Monogramm AD mit der Jahreszahl und ein lateinischer Text.
Geschichte
Dürer malt die Tafel nach prägenden Reisen, genährt vom italienischen Vorbild, wo sich der Maler bereits als freier Schöpfer verstand. Er ist achtundzwanzig und auf dem Gipfel seines technischen Könnens. Das Werk beschließt eine Reihe von Selbstbildnissen, begonnen mit einer Zeichnung des Dreizehnjährigen und fortgesetzt mit den Tafeln im Louvre und im Prado. Anders als jene, zum Gefallen oder zur Dokumentation einer Verlobung bestimmt, scheint die Münchner Tafel keinen anderen Adressaten als die Werkstatt selbst zu haben: Dürer behält sie. Erst nach seinem Tod 1528 nimmt sich der Nürnberger Rat ihrer an und hält sie für einen städtischen Schatz. Weit später gelangt das Bild in die bayerischen Sammlungen und die Alte Pinakothek.
Symbole und Geheimnisse
Der Schlüssel liegt in einer bewussten Anleihe: das frontale, symmetrische Schema und die zur Brust gehobene Hand sind die des segnenden Christus, des Salvator Mundi. Dürer, ein tief frommer Maler, begeht keine Blasphemie; er formuliert einen theologischen Gedanken seiner Zeit: der Mensch ist nach dem Bilde Gottes geschaffen, und der Künstler, der Welten formt, hat an dieser Ähnlichkeit auf höchste Weise teil. Die lateinische Inschrift sagt es auf ihre Art, indem sie die „beständigen Farben" betont: die Malerei trotzt der Zeit. Der Pelz schließlich spielt doppelt — Gewand des Honoratioren, aber auch Material des Pinsels, ein Wink auf das Handwerk.
Warum dieses Werk zählt
Es ist das Gründungsmanifest der Künstlerwürde nördlich der Alpen. Vor Dürer ist der deutsche Maler ein Zunfthandwerker; nach ihm kann er sich als Intellektueller verstehen, den Gelehrten gleich. Die Tafel prägte auch mittelbar das religiöse Bild: das frontale, bärtige Antlitz wurde für Jahrhunderte zum Modell des Christusgesichts. Als Herzstück der Alten Pinakothek fasst es allein den Ehrgeiz der deutschen Renaissance zusammen und bleibt eines der meistkommentierten Selbstbildnisse der Kunstgeschichte.